Туалет не работает или экспонат туалет не работает

Туалет работает, а Деньги не пахнут

Pecunia non olet (также Aes non olet лат. — «деньги не пахнут») – латинское крылатое выражение. Слова, приписываются императору Веспасиану. В произведении Гая Светония Транквилла «Жизнь двенадцати Цезарей» рассказано, как Тит упрекал отца, что даже туалеты он обложил налогом. Тот взял монету из первой прибыли, поднёс её к носу сына и спросил, воняет ли она? «Нет», – ответил Тит. «А ведь это деньги с мочи», – сказал Веспасиан. (Википедия)

Ну, это Древний Рим, который погряз в разврате, и развалился вскоре. А вот вам ещё одна цитата, поближе к современности: «Если бы вы знали, князь, как трудно найти сегодня денег!» – так сказал Келлер князю Мышкину, чтобы, в конце концов, занять у князя 50 рублей.

Вот и поговорим на эту животрепещущую тему. Самую насущную, и, по сути, единственно не решённую ни в той (с цезарями и князьями), ни в этой жизни. Это – реальность на все времена! КАК найти денег? Уточню вопрос в тему этого исследования: как найти денег художнику? И ещё одно уточнение: как найти денег художнику в России?

Хочу напомнить в этой связи одно популярнейшее (в творческой среде) изречение: художник в России должен жить долго. То есть настолько долго, что все подумали, что его уже нет… и стали, наконец, покупать его творения.

Короче, познакомился я тут с одной милой женщиной, которая всю жизнь занималась этой нелёгкой работой – участвовала и способствовала продаже творений нашего брата художника. Говорю это без намёка на иронию, потому что знаю – работа эта действительно нелёгкая. Она требует чутья, вкуса, и прочих специфических навыков, потому что искусство вообще вещь непредсказуемая, а уж о нашем брате лучше промолчать, потому что (скажу по секрету) никто НИЧЕГО не понимает.

Да, да, да – я настаиваю на этом: НИКТО НИЧЕГО. Наша дорогая интеллигенция… которой сегодня, кажется, и нет вовсе, а есть некое образование под названием либерал, от которого давно уже никто ничего путного не ждёт. Так вот, наша советская интеллигенция в недавнем прошлом худо-бедно разбиралась в классической музыке; знатоков литературы в России всегда было как грязи. Плюнь – обязательно попадёшь в большого знатока поэзии. Но живопись… – это недосягаемые высоты! Я даже не говорю о своих коллегах – эти, ясен перец, дальше своего носа не видят. Но где, где вы – беспристрастные утончённые ценители живописи? Ау! Их просто нет.

Но есть великие тайны и великое же непонимание на все времена! Есть ещё кое-что. Салонное искусство, которое всем понятно, надёжно и вечно. В нём нет никаких тайн, а есть только желание ублажить вкусы обывателя. Есть всякие там «Измайловы» и «Арбаты», (впрочем, не знаю, существуют ещё эти порождения 90-х?) где делают деньги всё на тех же непритязательных потребностях населения.

Но где же формируется вкус, мода, где продаются произведения сегодняшних гениев? Где проверенные, бесценные Имена? Где новейшее искусство? И куда, наконец, можно вложить деньги в наше время ненадёжных ценностей? Это, конечно же – Christie’s энд Sotheby’s! – эталоны надёжности, как бренд Hollywood. Но если Голливуд – фабрика грёз, то здесь – аукцион реальных ценностей.

Только… не спешите радоваться, господа Денежные Мешки! В изобразительном искусстве всё так тонко устроено, что фраза «я так вижу!» стала не только нарицательной, но и открыла гигантские возможности для арт-бизнеса. И сегодня эти возможности уже поставлены на поток.

Здесь вас могут нагреть и развести абсолютно легально, но уже на гигантские деньги, всучив ту же куклу, что и в дешёвом салоне. Но распознать обман не сможет никто, потому что, фраза «я так вижу!» снимает все ограничения. И, как я уже говорил – нет в природе этого бизнеса таких знатоков, как, скажем, в ювелирном деле. Фальшивый бриллиант или настоящий здесь вам не скажет никто. Я не говорю о подделках. Я говорю о работах первоначальных и уникальных. Здесь всё «как бы», и даже те немногие истинные ценители, которые порой попадаются, сегодня в недоумении и растерянности…

Вот вам, пожалуйста – наш знаменитый соотечественник – Михаил Шемякин, который, будучи сам замечательным художником – оказался ещё и тонким понимающим ценителем искусства. Он состоялся во всех смыслах, имеет в Америке мастерскую, что уже – показатель успеха. Так вот, эта мастерская окнами выходит на музей современного искусства, и наш замечательный художник и знаток искусства, заглядывая в те окна накануне вернисажа, видел кучу мусора в центре зала. И он не мог определить, что это – куча мусора, оставленная рабочими, или… очередной шедевр концептуального искусства.

Поэтому всё, даже у редких знатоков – запуталось. И что это значит? А то, что, как же не воспользоваться, и не начать делать деньги из НИЧЕГО. И вот вам аукцион Sotheby’s – надежнейший банк вложения капитала! Здесь (я перехожу на шёпот) – виртуозы жулья, здесь – мировая элита. Больше скажу – этот рынок вообще самый непредсказуемый и непостижимый, потому что здесь идёт фальсификация на уровне метафизическом. Проще говоря – здесь зарождаются сами идеи великих фальсификаций.

Чтобы не быть голословным раскрою некоторые их «прихваты»,– как делают бабки эти виртуозы. Вот один из классических примеров: Рокфеллер (под крышей ЦРУ) собирал абстракционистов, то есть скупал за бесценок никому неизвестных авторов никому тогда неизвестного искусства. После «разогрева», сделанного ЦРУ, картины взлетели в цене настолько, что считаются одними из самых дорогих работ в мире. Работа Поллока «Номер 5» стала самой дорогой картиной того времени – 140 миллионов долларов.

В чём здесь подвох? А в том, что Поллок художник всё-таки яркий и уникальный. Может, он и не тянет на 140 миллионов, но в истории искусства он прозвучал. Не это важно! Важен был прецедент. Тогда же появляется Марк Ротко, вошедший в мировой бренд, как автор огромных трёх или двухцветных полотен. Тоже нехилый результат – 80 миллионов. Дальше – больше. Энди Уорхол, со своей Мэрилин Монро, сделанной как по трафарету, и банками из-под Пепси Колы. Дальше ещё изящнее – Рой Лихтенштейн, рисовал и продавал комиксы (!) и копии с картин Пикассо и Матисса, сделанные в духе комиксов.

А сколько скандалов, о которых не принято у них вспоминать. Вложил некий богатей, по совету больших знатоков из того же Sotheby’s, в некоего абстракциониста кучу бабла, а через пару лет – какая, блин, неприятность, господа! – абстракционист «сдулся» и работы его оказались копеечными. То есть происходят некие тайные процессы, которые опять же никому не понятны: лотерея это или… банальное кидалово неких тайных кукловодов?

И если с реализмом как бы всё понятно – похоже на натуру – и ладушки. Кубизм, сюрреализм и прочие «измы» – это, хоть и непонятно, но уже отмечено великими именами. Хотя сам Пикассо и задал нам загадку в конце жизни, что дурил богатеев, и даже переживал за это. Но это Пикассо! У него за одну подпись платили огромные деньги.

А как быть, если на холсте – просто цветные пятна. Это в лучшем случае. А если дырка? «Концепция пространства, ожидание» художника Лючио Фонтана ушла с аукциона в Лондоне за полтора миллиона долларов. Это произведение представляет собой одноцветный холст, с продольными прорезями. Или как недавний случай с художником Бэнкси и его «Девочкой с воздушным шаром». Примитивнейшая картинка девочки с шариком в виде сердечка, (которую нарисует вам любой обормот) – ушла за баснословные деньги!

Самого Бэнкси никто не видел. Он умудрялся делать свои граффити, не попадаясь никому на глаза. (Быть может его и нет вовсе, а есть проект под крышей того же ЦРУ). Но тут, блин, – фокус-покус! Проданная картина самоуничтожилась – её разрезал в лоскуты тайный механизм, вмонтированный в раму. И что? скандал? Что вы, что вы – лохмотья, свисающие из-под рамы, тут же возросли в цене в два раза!

То есть происходит подмена ценностей. Стало ценным не само произведение, а обёртка. Вся эта мишура ВОКРУГ: неуловимость автора, цирковой номер самоуничтожения, наконец, бренд самого аукциона Sotheby’s! То есть воплотилась мечта любого торгаша – продавать фу-фу, нечто неосязаемое, воздух, продавать скандал!

А вот вам исчерпывающий рассказ, который нашёл я на одном из форумов в интернете. Он об этом же – о нынешних фокусниках.

«Я был в Нью-Йорке в музее Гуггенхайма. Пятый этаж – «Современное искусство». Захожу. Смотрю, висит картина – «Желтый параллелепипед». Подпись: «Желтый параллелепипед». Я думаю, ну, вообще-то сто лет назад, Малевич что-то в этом роде уже нарисовал, тема закрыта. Ладно, иду дальше. Два треугольника красный и синий. Подпись: «Два треугольника – красный и синий». А я-то думаю, что это? А это, оказывается, два треугольника. Иду дальше, смотрю – куча мусора (вспомните рассказ Шемякина!), обнесена веревочкой, и подпись: «Куча мусора». Ну, иду дальше, смотрю. туалет. ровно такая же веревочка и подпись: «Туалет не работает». Я стал думать, это туалет не работает, или это произведение искусства под названием «Туалет не работает»? Так. и что оказалось? – Не знаю. А я подумал, туда же все равно писать нельзя, потому что. либо туалет не работает – закрыто, нельзя, либо, ты нассышь в произведение искусства. прямо художнику в душу. И пошел искать произведение искусства под названием «Туалет работает»

На любом другом рынке, ТАКОЕ бы не прокатило. Да, там тоже могут надуть, всучив подделку, но вариантов мало. Там изначально должен быть бренд. Пусть китайский, но КАЛАШНИКОВ, пусть, сделанные в Подольске, но ШВЕЙЦАРСКИЕ часы. И все фокусы здесь рано или поздно будут разоблачены. А вот как быть с «Кучей мусора»? Что это, кому, зачем, КАК такое вообще возможно? Но кость кинута! Рассуждайте, господа, делая умное лицо, и оплачивая этот трюк, хотя бы купленным билетом в музей. Так кто мне скажет, что это? – шедевр, достойный музея Гуггенхайма или банальнейшая афера? Мысль или полный абсурд.

В общем, всем всё понятно – что ничегошеньки здесь НЕПОНЯТНО. То есть настолько всё непонятно, что за это платят гигантские деньги и не ропщут. Даже радуются, что вложились в надёжный проект. У меня, правда подозрение, что вот все эти фокусы, все эти новые направления – и есть один гигантский проект. Одна гигантская финансовая пирамида. И где тот мальчик из сказки Андерсена, который крикнет, наконец, «А король-то – голый!».

Но помните господа, нельзя трогать святое. Нельзя в Храме Искусства устраивать базар-вокзал и делать деньги из воздуха. Это плохо кончится. Когда нет высоких ориентиров – Мир утыкается в тупик, и наступает безвременье и деградация.

Впрочем, это моё частное мнение…

Моя МАСТЕРСКАЯ, выставка живописи – новый фильм на You Tube.
Моя последняя ВЫСТАВКА живописи – фильм на You Tube.
(адреса внизу моей страницы)

Источник

«Я стал думать: это туалет не работает или это произведение искусства?»

Если говорить об инсталляции — то знайте: начал всю эту вакханалию Марсель Дюшан.

Он вообще-то хотел быть художником. И как полагается любому молодому творцу подражал сначала Сезану, а потом и фовистам с кубистами. Подражал неплохо, но скорее посредственно.

Надо сказать, что Дюшан был человеком крайне рациональным и трезво мыслящим. Хотя бы потому, что для того, чтобы заслужить звание мастера по шахматам нужно как минимум иметь аналитический склад ума.

И если вот этот ум приложить к искусству получится «Золотое сечение» — сообщество, которую организовали братья Дюшана.

Они занималась поиском математических закономерностей в искусстве. Задачка для зубов Леонардо да Винчи и человека, нащупавшего как минимум два стиля в искусстве ХХ века: поп- и оп-арт (дада, ещё до Энди Уорхола).

«Обнаженная, спускающаяся по лестнице» . Это кубистическая работа Дюшана. Успеха не имела совсем. Но мне эта раскадровка кажется прекрасной.

А это Марсель Дюшан собственной персоной. Ой, извините, это же Роза Селави — первый (!) персонаж в искусстве. От ее имени Дюшан творил в рядах дадаистов (ребята,что были против всякой рациональности).

Ну а это » Фонтан «. И вам не показалось- это писсуар. Но вообще-то это фонтан. То есть это писсуар, но перевёрнутый на 90 градусов.

Пока в Российской Империи царят революционные настроения, некто (ну, старина Марсель, понятное дело) пытается выставить «экспонат» на выставке Общества независимых художников под именем R. Mutt . Если владеете языком Вольтера, то уже перевели как » Р.Дурак «. Интересно, что писсуар был выпущен под маркой JL Mott Iron Works.

Взнос Общество независимых приняло, но работу не выставлять не стали.

Расстраиваться Дюшан не собирался и решил сфотографировать » Фонтан » на фоне картины Х. Марсдена » Войны «.

Журнал The Blind Man опубликовал снимок Альфреда Стиглица на своих страницах. Теперь искусство во второй раз после » Чёрного квадрата » больше не будет прежним.

Что же это за безобразие?

В общем-то — ключевой момент в искусстве ХХ века. Зарождение течения » ready-made «.

Помните: инсталляция — это когда привычные предметы меняют свои свойства.

Достигается эффект просто.

Вот вам бесплатная инструкция по созданию инсталляции в манере ready-made:

• возьмите что-то хорошо всем знакомое (зубную щетку, чайник, легковой автомобиль, каску пожарника. не сдерживайте себя в выборе)
• поместите этот хорошо всем знакомый предмет в место, где ему совсем не место (положите каску в холодильник, например)
• теперь несите холодильник в художественную галерею (желательно современного искусства; хотя и Эрмитаж сегодня выставляет Фабра — так что дерзайте)
• если галереи не наблюдается — подойдёт любое пространство ( кафе, сквер, крыша)
• приложите короткое описание: «пожарная каска в холодильнике означает трезвый ум борцов с огнём». Или не пишите — так делают все значительные художники современности
• приготовьтесь к критике. Пусть вас греет мысль, что когда-то о вас напишут в чуть более популярном канале об искусстве.

Источник

«Туалет не работает»: Пособие по современному искусству

Наконец-то нашелся автор, который взял на себя труд легко, доступно и весело объяснить: почему изображение томатного супа стоит так дорого? Почему черный квадрат в исполнении Малевича — шедевр, а в вашем — нет? И в конце концов, это туалет не работает или это произведение искусства под названием «Туалет не работает»?

Бывший директор по медиатехнологиям лондонской галереи Тейт и действующий редактор отдела искусств BBC, Уилл Гомперц разбирается в предмете как никто (хоть и скромничает в предисловии). При этом в его интонации нет ни намека на снобизм: при чтении не возникает ощущения, что без базовых знаний о современном искусстве ты не вправе считать себя мало-мальски образованным человеком. Напротив, подчеркивает Гомперц, читатель не обязан разбираться в современном искусстве или даже считать его заслуживающим внимания, а уж заинтересовать — его, автора, задача. Искусство, убежден Уилл Гомперц, напоминает игру: стоит освоить базовые правила, и все непонятное сразу начинает обретать смысл. Вот эти «правила игры» он и формулирует — легким языком без пугающей терминологии.

Книга разбита на двадцать глав, в которых материал сгруппирован и в хронологическом порядке, и по схожим стилям. Хронология охватывает 150 лет: от первых импрессионистов и их предшественников до наших современников. Гомперц обстоятельно рассказывает, в каких реалиях зарождались и исчезали течения, как они влияли друг на друга, что нового привнесли в искусство. Однако благодаря легкости изложения, сценкам из жизни художников и интересным фактам из их биографий «Непонятное искусство» читается не как учебник, а как приключенческий роман.

«Непонятное искусство» читается не как учебник, а как приключенческий роман.

То же самое касается и многочисленных разборов картин. Гомперц подводит читателя к совершенно непонятному на первый взгляд полотну и вручает набор «отмычек», благодаря которым вдруг становится ясно, «что хотел сказать автор», почему выбрал именно эти выразительные средства, в чем революционность картины и как ее воспринимали современники. Вопрос не в том, считает он, является ли конкретное произведение шедевром (это за нас решит время), — гораздо важнее понять, каким образом оно вписывается в историю искусства и как происходила эволюция от работ Леонардо до заформалиненных акул. Пестрый калейдоскоп течений, жанров и произведений постепенно складывается в довольно стройную конструкцию, где все взаимосвязано и одно следует из другого.

«Непонятному искусству» не хватает иллюстраций (в книге всего 40 черно-белых фото и 30 цветных репродукций), но это объяснимо: если сопровождать репродукцией каждую картину, о которой пишет Гомперц, «Непонятное искусство» приблизилось бы по объему к Большой советской энциклопедии. Поэтому лучше читать с интернетом под рукой.

Мы публикуем несколько цитат, взятых из разных глав «Непонятного искусства».

Преимпрессионизм: в стремлении к реальности

«Импрессионизм — один из тех „измов“ современного искусства, с которым большинство из нас чувствует себя уверенно и спокойно. Всем нам известно, как выглядят эти картины: мы видели их множество раз и на жестяных банках с печеньем, и на кухонных полотенцах, и на коробочках с пазлами… Мы признаем, что по сравнению с более авангардными произведениями эти картины кажутся подозрительно легкими для восприятия, — ну и пусть, что тут плохого. В контексте современного искусства люди более традиционных вкусов считают импрессионистов последними „настоящими художниками“, которые не занимались „концептуальной ерундой“ и „абстрактными каракулями“, в отличие от нынешних, а писали внятно, красиво и до приятного неагрессивно.

Но современники этих художников думали иначе. Импрессионисты были самыми радикальными художниками за всю историю искусства. За отчаянную верность собственному видению они терпели лишения и насмешки со стороны профессионального сообщества. Представители многих художественных направлений XX века называли себя ниспровергателями и анархистами, но в действительности им было до этого далеко. А подлинные изгои — с виду респектабельные импрессионисты XIX века, истинные ниспровергатели и анархисты.

Люди традиционных вкусов считают импрессионистов последними «настоящими художниками».

…Им хотелось выйти из своих мастерских и с документальной точностью фиксировать современный мир. Это был смелый ход. Художникам того времени не было дозволено опускаться до „низких сюжетов“ вроде обычных людей, которые развлекаются на пикнике, выпивают или прогуливаются. Все равно как если бы Спилберг подрядился снимать свадебные торжества на видео. Художникам надлежало сидеть в мастерской и писать красивые пейзажи или героические сцены времен древних греков. Именно они нужны были для украшения стен особняков и городских музеев.

Импрессионисты писали сцены современной городской живописи прямо на улице. Новые сюжеты потребовали и новой техники. В те времена прорисовка — это было все; искусство состояло в точности и детальности; мазки должны были быть почти неразличимыми. Это неплохо, когда неделями сидишь в тепле и тщательно выписываешь патетическую сцену. Но импрессионисты писали на пленэре, и чтобы поймать и правдиво передать мимолетное ощущение, требовалась прежде всего быстрота. На смену „большому стилю“ пришел стремительный, резкий, „этюдный“ мазок, который импрессионисты даже не пытались скрыть, а наоборот, акцентировали. Впервые краска становится самостоятельным изобразительным средством…»

Импрессионизм: поэты современной жизни

«Спрос на современное искусство тоже менялся. Революция — политическая и техническая — способствовала появлению нового социального типа: буржуа. Коллекционер Дюран-Рюэль прогнозировал, что у этих „новых богачей“ окажутся иные художественные запросы, нежели у их предшественников аристократического происхождения, что они захотят увидеть на полотнах другие лица и сюжеты. Просвещенным мужчинам и женщинам захочется приобретать не мрачные тяжеловесные полотна с древними иконографическими сюжетами, а живопись, отображающую новый и яркий мир. Ведь у людей появилось то, чего не было прежде, — досуг, свободное время, и спросом будут пользоваться изображения современников, которые точно так же вкушают прелести городской жизни — прогуливаются в парках под ручку, катаются на лодке, выпивают за столиком кафе. Галерист даже призвал художников рисовать картины меньшего размера, чтобы они умещались на стенах скромных квартир менее богатых коллекционеров».

Сезанн: «всем нам как отец»

«Мы, люди, рассуждал Сезанн, обладаем бинокулярным зрением: у нас два глаза. Более того, наш левый и правый глаз по-разному регистрируют визуальную информацию (хотя мозг объединяет два изображения в единое целое). Каждый глаз по-своему видит окружающие предметы. Мало того, мы ведь еще имеем привычку ерзать. Рассматривая объект, мы совершаем какие-то движения: вытягиваем шею, крутим головой, приподнимаемся с места. Тем не менее художник создает изображение, как будто подсмотренное через статичный объектив. В этом Сезанн увидел проблему искусства и своего времени, и прежнего: оно не представляет то, что мы действительно видим, ведь смотрим мы не одним глазом, а двумя. Так распахнулась дверь в модернизм.

Поль Сезанн. «Натюрморт с яблоками и персиками», около 1905 года. Национальная галерея искусства, Вашингтон

…Взять хотя бы картину „Натюрморт с яблоками и персиками“. Сезанн изобразил кувшин сразу в двух ракурсах: сбоку, на уровне глаз, и сверху, как бы заглядывая в горлышко. То же самое относится к деревянной столешнице — ее художник наклонил к зрителю примерно на двадцать градусов, чтобы показать как можно больше яблок и персиков (тоже нарисованных под двумя углами). С точки зрения закона прямой линейной перспективы, принятой в живописи с эпохи Возрождения, фрукты покатились бы со стола и упали на пол. Но тут перспектива принесена в жертву ради правды. Сезанн показывает то, как мы видим. Он демонстрирует совокупность ракурсов, в которых мы рассматриваем ту или иную композицию. И одновременно пытается сообщить и другую правду — о том, как мы воспринимаем визуальную информацию. Если мы видим двенадцать яблок, сложенных на тарелке, мы не „считываем“ их по одному, как двенадцать отдельных яблок, но интерпретируем образ в целом: тарелка, полная яблок. В понимании Сезанна это означает, что общий план картины куда важнее, чем отдельные элементы».

Кубизм: другая точка зрения

«Термин оказался ошибочным: в кубизме нет никаких кубов, все как раз наоборот. Кубизм — это признание двухмерной природы холста и категорическое НЕТ попыткам создания иллюзии трехмерного пространства (в частности, того же куба). „Объемное“ изображение куба требует от художника взгляда на объект с одной точки, в то время как Брак и Пикассо теперь рассматривали объект одновременно под всеми возможными углами.

Представьте себе картонную коробку. Брак и Пикассо, условно говоря, разбирают ее, раскладывают на клапаны, чтобы получилась плоскость, позволяющая нам видеть все стороны коробки сразу. Но при этом художники хотят сохранить ощущение трехмерности этой коробки, чего плоский план дать не может. Поэтому они мысленно обходят коробку со всех сторон, а потом пишут виды этих отдельных сторон и определенным образом состыковывают получившиеся плоскости на холсте.

Жорж Брак. «Блюдо с фруктами и стакан», 1912 год. Частная коллекция

…Брак пошел еще дальше. Он создал натюрморт „Блюдо с фруктами и стакан“ (1912), для которого вырезал и наклеил на холст обои „под дерево“. Поверх обоев он нарисовал углем блюдо с фруктами в кубистском стиле и стакан. В этой живописи, кстати, нет собственно живописи. Цвет обеспечивают обои, купленные Браком в одном авиньонском магазине. И тут мы вторгаемся на территорию интеллектуальной игры. Брак взял кусок обоев, имитирующих дерево. Затем он поместил эту „фальшивку“ в свою картину — по сути, поделку. Но тем самым он изменил статус обоев: теперь они — единственная „реальная“ вещь на картине. Сложно, я знаю. Но понять необходимо. Потому что с этого и начинается концептуальное искусство».

Супрематизм / конструктивизм

«Супрематизм был дерзкой концепцией. По крайней мере, абстрактные картины Кандинского доставляли зрителю визуальное удовольствие, хоть и не поддавались расшифровке. С супрематизмом Малевича все гораздо сложнее.

Черный квадрат на белом холсте? Эка невидаль! Да любой из нас намалюет не хуже. Почему же творения Малевича так почитаемы и стоят миллионы долларов, в то время как плоды наших усилий наверняка сочтут поверхностными и никчемными?

…Не покидает ощущение, что картина — чистое надувательство и провокация. И понятно почему. Скепсис по поводу „Черного квадрата“, да и всего абстрактного искусства, которое пошло по пути супрематизма, вызван тем, что Малевич перевернул с ног на голову традиционные отношения между художником и зрителем. Исторически художник считался чем-то вроде обслуживающего персонала: живописцам и скульпторам надлежало запечатлевать, вдохновлять и создавать красоту на благо общества и его элит. Мы, публика, упивались своей привилегией решать, насколько удачно художник справился с Задачей, изобразив церковь, собаку или папу римского. Даже когда художники шли своим путем, создавая все более непонятные картины, мы сохраняли свое превосходство. Художник по-прежнему должен был доставлять нам удовольствие или интриговать изображением знакомого нам мира.

Малевич перевернул с ног на голову традиционные отношения между художником и зрителем.

Казимир Малевич. «Черный супрематический квадрат», 1915 год. Государственная Третьяковская галерея

Беспредметное искусство Малевича не предлагало таких уступок. Это была прямая конфронтация со зрителем, вынуждающая его, глядя на плоский черно-белый „Черный квадрат“, искать там нечто большее. По сути, он превратил художника в шамана. А искусство — в интеллектуальную игру, правила которой устанавливает художник. Теперь главным стал человек с кистью или резцом, это он призывает зависимого и беззащитного зрителя не бояться и довериться ему. Так остается и поныне: абстрактное искусство толкает нас на риск оказаться в дураках и поверить в то, чего нет. Либо беспечно пренебречь очередным откровением, попросту испугавшись принять его на веру».

Концептуализм. Искусство перформанса

«Отец концептуального искусства — Марсель Дюшан, чьи „редимейды“ — прежде всего писсуар 1917 года — заставили сделать переоценку того, что можно и нужно считать искусством. До провокационного вмешательства Дюшана искусство было продуктом человеческого труда; как правило, обладающим эстетической, технической и интеллектуальной ценностью. Его можно было заключить в рамку и повесить на стену или водрузить на постамент, чтобы выглядело красиво. Дюшан настаивал на том, чтобы художников не ограничивали таким набором средств выражения мыслей и эмоций. Он отстаивал приоритет концепции, которая и должна определять, в какой форме ее лучше представить публике. Своим писсуаром он заявил: произведение искусства может существовать не только в виде картины или скульптуры, но и в той форме, в какой его утвердил художник. Теперь искусство сводилось не столько к красоте, сколько к идее, а ее художник вправе передать любыми средствами — от тысячной толпы орущих людей до комнаты, заполненной тальком. Или, как вариант, при посредстве собственного тела, в субжанре концептуального искусства, который стал известен как искусство перформанса».

Источник